No hay duda que estamos en momentos de cambios de actitudes, de maneras de percibir al otro, de tener una mirada que ve a todxs por igual y que este es el camino a seguir. Lxs que creíamos que la segunda ola/etapa de la liberación femenina de los 1970 era la continuación de la primera ola del sufragio femenino y que los logros legales (derecho al aborto, divorcio por mutuo consentimiento, custodia compartida de los hijos, acceso a universidades de exclusividad masculina, opción y derechos de madres solteras y jefas de familia, leyes contra maltrato, hostigamiento y discrimen por género, etc) eran un indicio de un verdadero camino hacia la igualdad, no acertamos lo que estaba por venir. Aunque la tercera ola feminista (las millenials) escogía dejar a un lado la militancia en las calles (denuncias, marchas, protestas, celebraciones, publicaciones) para concentrarse en cambiar prácticas sexuales, liberar los cuerpos y ver las relaciones como algo siempre en construcción, esta visión privada e individual no detuvo las viejas prácticas de los hombres de poder que seguían poniendo trabas para que la mujer volviera a su sitio: esposa, madre, ama de casa. Tampoco detuvo el uso del poder por los hombres jefes/directores/supervisores aunque muchas mujeres aseguraban que habían adquirido agencia para lidiar a su modo con estas agresiones e imposiciones. Entonces en 2017 surge la denuncia como un arma para desenmascarar a los poderosos tras bastidores y en el escenario público. El primer gran ejemplo lo dan las mujeres que denunciaron la práctica del ahora Presidente de los EU de hostigar, manosear, amenazar y manipular a las mujeres.  Y entonces llega #MeToo.

Casi por azar, esas historias fílmicas que comenzaron en 2016 y se desarrollaron y exhibieron en 2017 reúnen esa denuncia e inclusión que tanto hacía falta en el cine de ahora. Sin duda, Star Wars: Last of the Jedi es el más inclusive ya que Leia Organa es la comandante a cargo de la Resistencia (término que prefiere Naomi Klein para la lucha de las comunidades por sus derechos en vez de resilience que sí es levantarse pero no necesariamente forjar nuevos caminos) y sus sub-comandantes son mayoritariamente mujeres determinadas a proteger a su población y a la vez tomar decisiones militares que favorezcan a la mayoría. En cada generación representada las mujeres demuestran liderato, inconformidad con el status, destrezas e inteligencia igualitarias y comprometidas a hacer todo a su alcance para la supervivencia de la Resistencia. Igualmente la diversidad de etnias está representada por Finn (John Boyega), Poe (Oscar Isaac), DJ (Benicio del Toro), Maz (Lupita Nyong’o), Rose (Kelly Marie Tran) y, por supuesto, su interacción con los robots, androides, animales: C-3PD, Chewbacca, R2-D2, BB-8.

The Greatest Showman reúne como elenco a los diferentes y raros por no ser parte de la normalidad (hombre blanco): el gigante, el enano, la mujer barbuda, los trapecistas negros, los siameses, etc. Lo que primero es una casa de horrores para contemplar a estos fenómenos se convierte en un teatro donde dominan la escena y atraen al público por sus talentos. Nada más que ver moverse, bailar y cantar a Keala Settle como la mujer barbuda es un verdadero espectáculo. Y aunque Phineas Taylor Barnum es el maestro de ceremonias (ringmaster) —que domina el movimiento y baile colectivo con el talento de Hugh Jackman— el espectáculo es de todos.

En Downsizing de Alexander Payne esa sociedad de clase media blanca se complica cuando todos se achican y salen a relucir las diferencias de clase, etnia y raza. A distancia de las mansiones y de los apartamentos lujosos con poblaciones escasas (accesibles por ellos ser pequeños y poder tener más por menos) están los laberintos donde conviven, en lo que parecen ser cuevas, cientos de personas no blancas que en nada se parecen a Paul (Matt Damon). Son hispanos como Gladys y Sr. Cárdenas o asiáticos como Ngoc. Aquí, a pesar de su diminuto tamaño, no hay suficiente comida ni medicinas para vivir cómodamente como Paul.

Phantom Thread de Paul Thomas Anderson tiene como centro a Reynolds Woodcock, un compendio de los diseñadores y modistos más influyentes del Londres de 1950: Cristóbal Balenciaga (con estudios en Barcelona y París), Victor Stiebel y Charles James. Daniel Day-Lewis interpreta su papel con el cuidado y detalle fastidioso de alguien que consideraba sus diseños piezas de arte que reflejaban su propio ser. Pero para que su estudio/casa fuera tan celebrado tenía una hermana (Cyril) que le ordenaba la vida y resolvía el más mínimo detalle que pudiera entorpecer su trabajo; modelos/amantes que moldeaba a su satisfacción y, lo más importante, un ejército de costureras —Biddy, Nana, Pippa, Elsa, Irma, Winn, Elli, Mabel, Amber— que hacían que su sueño se convirtiera en realidad.

Wind River de Taylor Sheridan, filme destacado en Cannes pero ignorado por los Golden Globes, Oscares y premios gremiales (quizá por sus lazos con Weinstein para su distribución), aunque tiene como protagonista a Jeremy Renner como Cory Lambert todo su elenco y su localización geográfica y cultural es en una reservación amerindia. El crimen lo investigan Ben, la autoridad dentro de la reservación junto a una mujer agente del F.B.I. Cory no es un forastero ya que su ex esposa es amerindia y tiene un hijo que le permite tener contacto directo con los padres de Wilma. Su identificación con la familia afectada, los Hanson, va más allá de conocerlos por muchos años ya que su hija mayor y Natalie fueron amigas y ambas desaparecen de las vidas de sus familias.

El personaje principal de Molly’s Game de Aaron Sorkin parece sacado de las narrativas de #MeToo. Se presenta el trato casi brutal de palabra e intención aunque no físicamente del padre; los insultos y la humillación que recibe de su primer jefe; los acercamientos sexuales que recibe de los jugadores a pesar de siempre decir no; el rechazo de los jugadores a que ella sea la persona más poderosa del juego; y el overkill del FBI para apresar a una sola persona que no tiene un arma ni defensa posible.

The Florida Project de Sean Baker es un filme que requiere mucha paciencia y control para ver. Por un lado la historia se cuenta como si fuera en tiempo real y por otro los personajes son tan frágiles que tan solo esperamos el cuándo todo se va a desmoronar. En este sector de vivienda en Orlando, a pasos de Disney World, viven en cuartos de moteles venidos a menos mujeres solteras con hijos o nietos, padres solteros con hijos y hombres y mujeres que parecen estancados en este lugar y tiempo. Con la excepción de Bobby (Willem Dafoe), administrador y handyman del motel Magic Castle, y de Halley (Bria Vinaite), madre de Moonee, tanto los niños como lxs adultxs no pertenecen a la supuesta mayoría blanca que eligió al actual Presidente. Casi todos los niños que inventan juegos y travesuras para entretenerse en este verano—Moonee, Scooty, Dicky, Jancey —y los adultos a su alrededor— Ashley y Gloria, representan la diversidad poblacional en lugares como Orlando donde tantos puertorriqueños residen ahora.

Lo monstruoso es un elemento constitutivo de nuestra humanidad. Aunque lo aceptemos o lo rechacemos, el monstruo en nosotros revela nuestras contradicciones y muchas veces manifiesta la belleza misma. La exploración de lo monstruoso define Phantom Thread (dir. Paul Thomas Anderson, EEUU, 2017) y The Shape of Water (dir. Guillermo del Toro, EEUU/Canadá, 2017). Ambas son películas muy diferentes que expresan la visión única de cada director. Sin embargo, éstas presentan personajes que afirman su monstruosidad en todo su esplendor desafiando de esta manera la moralidad convencional. Aunque ambas son películas románticas, su concepto del amor no tiene nada del sentimiento pulido y algo vacío del cine comercial de Hollywood. Cuando se reconoce y se ama al monstruo, el amor se torna en un sentimiento que brilla precisamente por su oscuridad.

En Phantom Thread, Anderson nos cuenta la historia de Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis), un reconocido diseñador en el mundo imaginado de la moda británica durante los años 50. Cada uno de sus diseños es una obra única que esconde en sus dobleces algún corto mensaje que Woodcock añade. De esta manera, sus construcciones enuncian sus sentimientos más profundos. Woodcock lleva su casa de modas junto a su hermana, Cyril (Leslie Manville), que lo conoce a la perfección y que lo mantiene enfocado con una severidad maternal. Una mañana, mientras Woodcock desayuna en un restaurante, queda cautivado por Alma (Vicky Krieps), una joven mesera que lo atiende. Ambos comienzan una relación amorosa donde Alma se tiene que adaptar a las necesidades y a las rutinas de Woodcock, que Cyril protege con tesón. Tratando de hacerse un espacio en la casa de los Woodcock, Alma se redefine a sí misma en función de las necesidades del diseñador. Sin embargo, ella no es un personaje pasivo, pues Alma también lo reconstruye a él como si fuera un niño. La relación entre Alma y Reynolds llega a unas proporciones monstruosas que desafían todo romance convencional y devela una fascinante profundidad emocional.

Por otro lado, en The Shape of Water, Eliza (Sally Hawkins) es una empleada de limpieza muda que trabaja en una instalación militar secreta del gobierno de los Estados Unidos durante la Guerra Fría. Ella vive algo aislada del resto del mundo por su condición y sólo se relaciona con Zelda (Octavia Spencer), una empleada de mantenimiento negra que trabaja junto a Eliza; y su vecino, Giles (Richard Jenkins), un artista homosexual que perdió su trabajo en el mundo de la publicidad. Por sus identidades, Eliza, Zelda y Giles representan la otredad en los Estados Unidos de los 50 y 60. Ellos son los monstruos que simbolizan todo lo opuesto al personaje de Strickland (Michael Shannon), el administrador de la instalación militar. Strickland personifica la masculinidad blanca, heterosexual, y depredadora que asociamos con la época. Su visión sobre la diferencia se ve en cómo trata a la criatura anfibia (Doug Jones), que el gobierno capturó en el Amazonas donde lo veneraban como a un dios. Strickland somete a su prisionero monstruoso a unas constantes torturas físicas en un esfuerzo por examinar sus capacidades, pero que delatan el asco que el hombre siente ante lo que identifica como diferente. La única que logra entablar una relación con la criatura es Eliza, cuyos acercamientos con música y comida expresan su fantástica atracción al dios anfibio del Amazonas. La conexión entre ambos personajes pasa desapercibida por casi todos en la instalación, hasta que Eliza decide ayudar a escapar a la criatura de su prisión. Ella se sacrifica ya que se da cuenta que el monstruo marino es el único que reconoce su humanidad. Esto también lleva al espectador a descubrir la profunda sensibilidad de estas dos criaturas que a través de su monstruosidad desafían el estándar social de la época.

Ambos filmes tratan los márgenes de diferentes maneras. En Phantom Thread, Anderson nos cuenta otra historia donde las obsesiones de sus personajes los convierten en monstruos, pero cuyas acciones logramos entender y hasta humanizar. Sus protagonistas se desdoblan, tanto como podemos ver en There Will Be Blood (EEUU, 2007) con Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis) y Sunday (Paul Dano); y en The Master (EEUU, 2012) con Freddie Quell (Joaquin Phoenix) y Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman). Anderson utiliza las interacciones entre cada una de estas parejas para subrayar sus vulnerabilidades y así llevarnos a conectar con personas que consideraríamos deplorables. Idealmente, Phantom Thread se debe de ver en un cine preparado para proyectar el formato de 70 milímetros para apreciar las proporciones épicas de los sentimientos de estos personajes, que también se reflejan en el mundo majestuoso retratado por el mismo Anderson, que funge como director de fotografía, y la música de Jonny Greenwood.

Al igual que Anderson, Guillermo del Toro utiliza en The Shape of Water la pareja de la criatura anfibia y Eliza para dejarnos ver su belleza emocional. El dios del Amazonas de del Toro es una clara referencia al monstruo de Creature from the Black Lagoon (dir. Jack Arnold, EEUU, 1954). Sin embargo, mientras que en Creature from the Black Lagoon, la criatura es un salvaje al que se silencia porque el filme responde a las sensibilidades dominantes de la sociedad estadounidense de los 50; en The Shape of Water, del Toro posiciona al anfibio como uno de los héroes y la sociedad es el antagonista que obstaculiza su amor. The Shape of Water es una bellísima fábula para adultos donde una mujer fuerte mueve la acción. El filme se puede considerar un musical no solo porque la música conecta a la pareja principal, sino también porque las actuaciones físicas de Sally Hawkins y Doug Jones son tan hermosas como los bailes de Ginger Rogers y Fred Astaire.

Phantom Thread y The Shape of Water son para mí las dos mejores películas del 2017 en un año que nos ha brindado producciones excelentes. Ambas obras cuestionan nuestra propia humanidad a través de la delicada sensibilidad del monstruo.